Cristina BanBan, pintora española formada en Bellas Artes en Barcelona ha consolidado su carrera artística desafiando convenciones y explorando el cuerpo femenino como el epicentro de su expresión creativa. Su trabajo se caracteriza por una fusión entre la abstracción y la figuración, desafiando los estándares estéticos convencionales y proponiendo una mirada fresca y poderosa sobre la diversidad corporal. La modelo Alicia Gutiérrez habla con ella para nuestro último número, VEIN#17.
Con una trayectoria marcada por exposiciones en ciudades clave como Tokio, Londres, París y Nueva York, BanBan ha ganado reconocimiento internacional. Su obra ha capturado la atención de críticos y amantes del arte, destacando su habilidad para fusionar elementos clásicos con un enfoque contemporáneo único. Su traslado a Nueva York fue un punto crucial en su carrera, influyendo significativamente en su estilo y técnica. Desde entonces, su arte ha evolucionado, desafiando aún más los límites establecidos y explorando nuevas formas de expresión artística, considerando la incursión en la escultura como su próximo desafío creativo.
El enfoque valiente y poderoso de Cristina BanBan ha posicionado su obra como una voz significativa en el mundo del arte contemporáneo, rompiendo normas, proponiendo nuevas visiones del cuerpo femenino y expandiendo constantemente sus horizontes creativos.
¿Cómo crees que el arte puede desafiar los estándares de belleza convencionales y promover la aceptación del cuerpo en la sociedad?
El arte es una herramienta de comunicación muy poderosa, como decía Vivienne Westwood: “la cultura y el arte son lo que os ayudará a entender el mundo en el que vivís”. Los cánones de belleza se han visto representados históricamente en las pinturas, sobre todo el desnudo de la mujer. Hoy en día, la figuración tiene un peso muy importante representando una pluralidad de identidades. Como, por ejemplo, el trabajo de Jenny Saville, que años antes de que el body positivity se convirtiera en un movimiento de la agenda liberal, sus modelos de cuerpos robustos y exuberantes ya eran característicos de sus pinturas. Creo que el arte y la moda tienen mucho que decir sobre los cuerpos de las mujeres.
¿Has experimentado algún tipo de controversia al abordar este tema de cómo representas el cuerpo femenino desde tu perspectiva artística y personal?
El cuerpo de la mujer ha sido siempre mi herramienta de trabajo, tanto en la época en la que las pinturas tenían una narrativa más presente como en los últimos años en los que son más cercanas a una abstracción. Se podría decir que se trata de una obra con carácter autobiográfico, así que la figura femenina me ayuda a plasmar ciertas emociones o acontecimientos de la vida. Durante mucho tiempo, he partido de mi propia imagen, pero recientemente he acudido a modelos que me sirven tremendamente de inspiración. He tenido comentarios o críticas en las que comparan las mujeres de mis pinturas con mi propia imagen y cuestionan por qué uso la exageración de las proporciones. Para mí estas mujeres poseen un poder sobre su autopresentación y posición frente al espectador.
¿Cómo te sientes al ser parte de la escena artística en Nueva York y cómo ha impactado eso en tu obra?
Nueva York ha tenido una influencia muy grande en el desarrollo de mi trabajo. Llegué justo antes de la pandemia y usé a mi favor todo el tiempo del confinamiento para investigar y crear una pintura y estilo distintos. Para mí esta ciudad en constante movimiento ha hecho que crezca a nivel personal y profesional de una manera muy acelerada.
¿Has tenido alguna experiencia significativa que quieras compartir al presentar tu obra en exposiciones en Japón, Londres, París, Nueva York…?
Cada proyecto es especial, pero recuerdo que exponer por primera vez en Tokio fue emocionante. La cantidad de gente que vino a la inauguración y la reacción tan positiva del público me tomó por sorpresa. Estoy muy agradecida por las oportunidades de conectar con gente a través de mi trabajo.
¿Tienes algún nuevo enfoque que quieras explorar en tu trabajo artístico de cara al futuro?
Tomé la decisión de darme más tiempo entre exposiciones para dedicarme a hacer investigación y experimentar en el estudio. La escultura me llama mucho la atención y espero ponerme con ello pronto.
¿Qué desafíos y oportunidades has encontrado al trabajar con modelos y sujetos de diferentes tipos de cuerpos?
La fascinación y el poderío del cuerpo por la mujer. Era demasiado aburrido partir de mi propia imagen, digo “partir” porque para mí es solo una referencia para después experimentar con la exageración y distorsión de las formas y colores. Me he dado cuenta de que por momentos los rostros de las modelos se fusionan con mi propia imagen convirtiéndose en una especie de doppelgangers. El mejor descubrimiento ha sido al dibujarlas, poder conectarme totalmente con estas modelos de una manera muy personal, pero a la vez estar transmitiendo una idea más colectiva del universo de la mujer
¿Cómo es tu relación con otros artistas contemporáneos afincados en NY? ¿Qué ves de diferencias y similitudes entre ellos y tú? ¿Qué te han enseñado? ¿Qué aprecian ellos en ti?
Tengo un círculo de amigos artistas (Cristina de Miguel, Marco Pariani, Federico de Francesco, Robert Nava…) con los que conversamos sobre nuestras pinturas y hacemos studio visits. Es muy enriquecedor tener esta pequeña comunidad en Nueva York. Las similitudes que encuentro con este grupo es que se trata de una pintura gestual y expresiva, intuitiva y raw, aunque algunos trabajemos con figuración y otros con una abstracción total.
¿De qué manera intentas desafiar o subvertir los estereotipos de género a través de tus obras?
Creo que toda pintura es política. Intento mostrar a una mujer desnuda, desafiante, que es el contenido y a la vez la protagonista de las pinturas, empoderada. Romper así con la tradición de una representación más sumisa por ojos del pintor que conocemos a lo largo de la historia del arte.
¿Cómo describirías tu estilo artístico único?
Mi estilo es simultáneamente clásico y contemporáneo. Las formas que adoptan mis mujeres podrían evocar al arte de la Antigua Grecia, pero su mensaje es actual. Últimamente diría que mi estilo oscila entre la abstracción y la figuración. He estado pensando mucho en artistas como Willem de Kooning, Alice Neel y Chantal Joffe, que sirven de inspiración a mi pintura más reciente.
¿Qué te inspira para crear tus obras?
Me inspiran muchas cosas: los acontecimientos diarios de mi vida, las emociones en un día determinado, la música, los amigos que me rodean, la energía de la ciudad en la que vivo… todo influye en las pinturas de una forma u otra. Pero, sobre todo, me mueve la necesidad de pintar.
¿Cómo ha evolucionado tu arte a lo largo del tiempo?
A nivel formal, la técnica es lo que más ha cambiado. Solía trabajar en acrílico, pero en los últimos años he cambiado principalmente a pintura al óleo. Mis pinturas también se han vuelto menos narrativas. Ahora las figuras flotan fuera de cualquier tiempo y lugar percibidos. Pero el cuerpo femenino siempre permanece en el centro de todo lo que hago, sin importar cuánto cambie el estilo.
¿Cuáles son tus materiales o técnicas favoritas para trabajar?
Todavía disfruto trabajando con óleo y barra al óleo porque me ayudan a crear mucha profundidad en las pinturas, pero recientemente volví a utilizar acrílico por su inmediatez.
¿Existe alguna obra tuya en particular que consideres representativa de tu trayectoria artística?
Mujeres I (2022) parte de mi última muestra en Skarstedt, Nueva York, que tenía el mismo nombre. El título, naturalmente, llega al corazón del tema de mi trabajo, pero el estilo de la pieza también es significativo. Esa exposición supuso un punto de inflexión porque fue entonces cuando realmente comencé a indagar fuera de los límites de una narrativa. En mi opinión las pinturas se volvieron más clásicas y abstractas a la vez. Mujeres I representa esta nueva etapa y mi continuo crecimiento como artista.
¿Qué te motiva a seguir creando arte incluso en momentos de dificultad o bloqueo creativo?
Pensar que al final siempre salgo de ello me ayuda a superar momentos difíciles. Por lo general, cuando hay un bloqueo creativo, algo muy bueno sale de ello, así que intento confiar en el proceso.
¿Cómo equilibras la expresión personal en tu arte con las expectativas del público o del mercado?
Intento no pensar demasiado en la percepción del público o en las exigencias del mercado. Al final, lo más importante para mí es estar satisfecha con el producto final.
¿Qué consejo le darías a los artistas emergentes que están comenzando su carrera?
Produce todo lo que puedas sin preocuparte tanto por el resultado. Cuanto más crees, más cerca estarás de encontrar cuál es tu estilo y mensaje. Uno siempre está evolucionando como artista, por lo que creo que es importante hacer lo que uno siente en cada momento. Siempre habrá tiempo para cambiar, mejorar, crecer.
Fotos de Albert Font
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