¿Hay demasiadas imágenes en el mundo?

‘A Trillion Sunsents: A Century of Image Overload’, una exposición que echa un vistazo al pasado para recordarnos cómo hemos sobrevivido al exceso visual.

Hannah Höch, Album (Scrapbook), 1933

En plena era de Internet y auge del uso de redes sociales, la inundación visual es un hecho que hemos asumido como lógico y cotidiano. Puede parecer un fenómeno propio de la modernidad. El exceso visual actual se debe, mayoritariamente, a la fascinación e inquietud por las imágenes propia de la Generación Z y Millenial. Sin embargo, el bombardeo de imágenes lleva alimentando a la sociedad desde hace 100 años. La exposición del Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, comisariada por David Campany, ‘A Trillion Sunsets: A Century of Image Overload’, nos transporta al pasado para explicarnos cómo comenzó todo.

La fascinación por el uso de las imágenes se remonta 100 años atrás, con el auge de la prensa ilustrada. Durante la Primera Guerra Mundial, los periódicos y las revistas comenzaron a circular de forma masiva. En esta década de 1920 se acuñó el término “medios de comunicación de masas” para definirlos. La sociedad comenzó a sentir desconfianza e incertidumbre ante esta nueva situación. La gente empezó a preguntarse si la saturación de imágenes podría perturbar a la sociedad, si la psicología humana sería capaz de soportarlo, si se estaba perdiendo la verdad…

Desde este punto de reflexión tan interesante, ‘A Trillion Sunsets: A Century of Image Overload’, construye un camino no cronológico a través de las décadas. Se explora cómo la sociedad civil y los movimientos artísticos – el dadaísmo, el surrealismo, el pop, el situacionismo, el conceptualismo o el posmodernismo – quedaron horrorizados e hipnotizados por el exceso visual. La exposición muestra los paralelismos y conexiones entre las distintas décadas. Desde álbumes de recortes hasta memes de Internet, collage, apropiación de imágenes y arte creado por algoritmos.

Robert Frank, Salón de tatuajes, 8th Avenue, Nueva York, 1958.

La exposición comienza su camino con ‘Álbum’ (1934), de la artista alemana Hanna Höch, pionera en el ámbito del collage y el fotomontaje entre los años 20 y 30. Su obra es un álbum de recortes de cientos de fotografías de revistas y periódicos donde combina imágenes y texto de los medios de comunicación de la época. Se trata de una crítica inteligente a la cultura popular, al fascismo alemán y las construcciones de género.

Hannah Höch aporta una óptica visionaria a la exposición. ‘Álbum’ reflexiona acerca de los estereotipos de belleza en la mujer, sobre cómo se representa a las personas no europeas en los medios europeos, por qué las imágenes turísticas tienen el aspecto que tienen, o cómo se construye estéticamente la publicidad. La obra presenta patrones visuales modernos y cuestiona el porqué de estos. La artista parecía conocer de antemano los cánones y hábitos visuales que se iban a dar décadas más tarde.

Nakeya Brown, Don’t You Know Love When You See It, 2017.

Otro aspecto a destacar de la exposición es la obra de Nakeya Brown, ‘If Nostalgia Were Colored Brown’ (2015). Una serie de bodegones que representan las portadas de álbumes de artistas negras entre un montón de productos para el cabello. Junto a la obra, cuelga una imagen publicitaria del ojo de una mujer blanca que se refleja en un espejo cosmético. El ojo del statu quo. La obra reflexiona acerca de las implicaciones políticas de las imágenes.

¿Qué pasa si hemos excedido el número de imágenes que como sociedad podemos almacenar y procesar? ¿Cuáles son las consecuencias? ¿Cuál es el número apropiado de imágenes que deberían existir? El comisario, David Campany, pretende visibilizar esta problemática. Pero la exposición no está hecha para responder a preguntas. Así como el bombardeo de imágenes y la fascinación por lo visual no va a morir en esta etapa contemporánea. Campany escribió en su libro ‘Gasoline’ (2013): “Aprovéchate de las imágenes, o ellas se aprovecharán de ti”.