Anulando la mente en las primeras fases del proceso creativo, Eva Iszoro ha conquistado la Semana de la Moda de Londres con su propuesta. Hablamos con ella.
KONSUM AW 21/22 by Accidental Cutting en London Fashion Week
Ni notas de prensa repletas de metáforas, ni reminiscencias históricas, ni un interés evidente por las efímeras temporadas. Eva Iszoro, fundadora y directora creativa de Accidental Cutting, entiende la moda de una forma distinta al resto. Al menos, difiere de muchos de sus coetáneos, para quienes el concepto y la inspiración son los pilares sobre los que construyen las prendas, en las que tratan de materializar sus ideas. “La colección que presenté en 080 Barcelona Fashion no estaba inspirada en nada, pero con todo lo que se nos ha venido encima después, no he podido evitar ir más allá”, comenta refiriéndose a la pandemia del Covid-19, la cual ha estado presente en su última propuesta de manera inevitable. “Creo que los diseñadores no debemos trabajar sin tener en cuenta la situación que estamos viviendo”.
KONSUM AW 21/22
Además de haber desfilado en la pasarela barcelonesa y en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, concretamente en la edición más atípica de la extinta Pasarela Cibeles, Accidental Cutting acaba de desvelar su última colección en London Fashion Week, de forma íntegramente digital. Una propuesta que aboga por la realidad virtual en la que prescinde de colaboradores externos, y en la que el método de patronaje experimental desarrollado por Eva (quien también es arquitecta) reivindica la búsqueda de volúmenes imposibles dejando de lado al cuerpo humano. “El punto de partida son patrones planos abstractos y aleatorios, que no se sabe en absoluto qué clase de volúmenes pueden generar”, explica sobre la técnica que comenzó a explorar en el año 2004 “como un juego”, y a la que ahora añade series conceptuales volumétricas y un software 3D específico.
Hablamos con Eva, una de las quince finalistas al premio Vogue Who’s On Next 2021 junto a marcas imprescindibles del panorama actual como Ernesto Naranjo o Becomely, sobre el traslado de las colecciones presentadas sobre pasarela a la venta final, sostenibilidad y referentes.
KONSUM AW 21/22
Eva, acabas de presentar tu última colección, KONSUM otoño-invierno 21/22, en la Semana de la Moda de Londres, celebrada íntegramente de forma digital a consecuencia de la pandemia. Y has apostado por el software 3D como forma de comunicar tu mensaje. ¿Qué nos puedes contar acerca de esta propuesta?
Estoy realmente fascinada por las posibilidades que ofrece la virtualidad, es un mundo complejo pero apasionante. Esta vez, toda la propuesta de realidad virtual se ha desarrollado desde Accidental Cutting sin colaboradores externos, excepto a nivel de formación. Ha sido un reto enorme, pero tengo una gran satisfacción a nivel personal, mayor que en el anterior desfile virtual en el que yo sí construí la ropa y los accesorios en 3D, pero había un colaborador externo para la animación, iluminación y filmación.
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Sin embargo, no es la primera vez que participas en London Fashion Week. Ya en su anterior edición, desvelaste tu colección APOCALYPSE – The New Reality SS21, inspirada en la pandemia de Covid-19. ¿Cómo has vivido estos meses marcados por la desolación y el desconcierto generalizado?
En estos tiempos de tragedia sanitaria y económica, yo de momento no me puedo quejar. La situación no me ha afectado negativamente a nivel personal, ni a personas de mi entorno. Es más, ha sido un momento para mi de grandes oportunidades y mucho trabajo, unos meses especialmente productivos.
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Antes de presentar tu trabajo internacionalmente, desfilaste en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid y en la 080 Barcelona Fashion. ¿Qué destacarías de estas experiencias?
Las dos fueron inolvidables, a nivel emocional y en lo que a experiencias vividas se refiere. Mi desfile en Barcelona se produjo apenas un mes antes del confinamiento generalizado que sufrimos en marzo de 2020, y aquel viaje lo asocio todavía con algo exótico para mi: espacios desconocidos, el precioso recinto de Recinto Modernista de Sant Pau, Barcelona, la gente, etc. Era de alguna manera una experiencia turística, porque me quedé varios días allí. Por otro lado, el desfile de Madrid se produjo el 13 de septiembre de 2020, ya en plena pandemia. Fue diferente pero también intenso, era mi primer desfile en Madrid y esta es la ciudad en la que vivo.
Desfile de Accidental Cutting en Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, donde presentó su colección APOCALYPSE SS21,
Una de tus grandes fortalezas es tu apuesta por un método de patronaje experimental sin precedentes, en el que los volúmenes originales, la aleatoriedad y la unicidad de cada pieza son algunos de los valores fundamentales. ¿Qué te llevó a desarrollar esta forma de patronaje creativo?
Empezó como un juego en el año 2004. Tuve la oportunidad de participar en una exposición colectiva en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y quería hacer algo especial relacionado con la moda, y empecé a unir formas aleatorias entre sí. La única finalidad o regla impuesta era conseguir el máximo número de volúmenes a partir de unas cuantas formas iniciales. Otra regla autoimpuesta era unir solo las mismas formas entre sí, sin mezclar unas con otras. Fue entonces cuando me di cuenta que las posibilidades volumétricas al tratar los patrones de manera abstracta eran infinitas, y desde entonces nunca he dejado de investigar en cortes aleatorios, abstractos y accidentales.
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Dicha propuesta queda recogida en tu tesis ‘Métodos directos de patronaje creativo. Didáctica y experimentación.’, en la que profundizas en sus fundamentos teóricos, su aplicación en prendas enteras y fragmentos de las mismas, o las ventajas e inconvenientes que conlleva. ¿En qué consiste, en líneas generales, el innovador método de patronaje que presentas?
En primer lugar, la innovación se produce en que la mente en absoluto imagina el resultado final, debiendo quedar ésta anulada en las primeras fases del proceso creativo. Esto va en contra de las aproximaciones metodológicas convencionales vigentes, en las que la mente participa desde el inicio del proceso, existiendo algún tipo de inspiración o visualización del resultado final. Algunos autores consideran que las técnicas de modelado son experimentales en sí, pero yo no estoy de acuerdo con esto porque, al fin y al cabo, la mente dirige las manos. Esto no ocurre en Accidental Cutting en las fases más esenciales del diseño. El punto de partida son patrones planos abstractos y aleatorios, que no se sabe en absoluto qué clase de volúmenes pueden generar. También existe la posibilidad de abstraer cualquier forma ya existente, incluso patrones de prendas convencionales, pero uniéndolos de una manera que no es la habitual. A partir de estos patrones, uniéndolos de diferentes maneras entre sí o con otros, se encuentra volúmenes totalmente novedosos y originales. Las posibilidades son infinitas.
Se trata de encontrar, y no buscar, el mayor número de volúmenes posibles sin pensar en absoluto en el cuerpo humano. Una vez obtenidas las muestras experimentales, empiezan unas acciones mucho más conscientes para hacer una selección de las muestras que posteriormente se aplicarán al cuerpo humano, integrando los experimentos con otros patrones o directamente moldeando sobre el maniquí. En esta fase también existen posibilidades de multiplicar el resultado, asignando una escala concreta al resultado, un textil determinado, una distribución o repetición específica. Finalmente se extrae el patrón definitivo de una manera fácil e intuitiva, pudiendo posteriormente ser repetido en la cadena industrial. Este patrón definitivo a veces tiene mucho que ver con el patrón abstracto inicial, y otras veces se desdibuja por completo
KONSUM AW 21/22
Accidental Cutting surge como marca en 2019, pero el primer acercamiento a la experimentación y los estudios que desembocarían en el patronaje del mismo nombre se remonta 15 años atrás. ¿Ha cambiado tu forma de entender la moda a medida que has avanzado en el proceso de desarrollo?
A lo largo de estos años se han ido desarrollando muchos experimentos, pero la esencia del método es siempre la misma. Es decir, partir al inicio de formas sin visualizar en absoluto el resultado final y sin saber lo que estas formas pueden generar.
A partir del año 2019, desarrollo series conceptuales volumétricas. Esto consiste en introducir una serie de pautas formales al principio de la investigación. Los procesos se han agilizado mucho a partir de 2020, cuando he empezado a construir en software 3D específico, porque ahora puedo guardar mis experimentos en el ordenador, de manera limpia. Antes cada planteamiento diferente suponía generar muchas maquetas físicas y toiles, lo que implicaba problemas de almacenamiento. Actualmente tengo cientos de volúmenes originales que esperan su oportunidad de ser aplicados en algún objeto de diseño.
KONSUM AW 21/22
Del patronaje a la creación de un proyecto propio, Accidental Cutting no deja de evolucionar. ¿Cuál es tu siguiente objetivo?
En la actualidad tengo dos objetivos muy claros que estoy desarrollando en paralelo: consolidación de Accidental Cutting como marca de moda y complementos a nivel internacional, y por otro lado, seguir profundizando en la realidad virtual mejorando las técnicas. Y también orientar mi actividad a una puramente artística de obras de arte en sí, para vender las piezas en galerías de arte, no en tiendas de moda. El desarrollo del producto es algo que no quiero abandonar en absoluto, pero en el momento actual no me veo produciendo 20 o 30 looks en una temporada, sino haciendo colecciones virtuales y ejecutando solo 5 o 6 estudiando en profundidad el producto. También estoy inmersa en una colección de bisutería, que nada tiene que ver con el método de patronaje Accidental Cutting, pero sí con cortes u objetos afilados en general.
APOCALYPSE SS21
¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración? ¿Tienes algún referente?
A nivel del método de patronaje experimental, en Accidental Cutting no es necesaria ninguna inspiración previa, aunque últimamente disfruto añadiendo algún concepto a las colecciones. Pero es algo posterior o que va en paralelo, y no tiene nada que ver con la investigación experimental volumétrica. La colección que presenté en 080 Barcelona no estaba inspirada en nada, pero con todo lo que se nos ha venido encima después, sinceramente, no he podido evitar ir más allá. Las dos colecciones últimas están relacionadas con la situación provocada por la Covid-19. No tengo referentes en la moda, sino simplemente me gusta tratar temas de actualidad. Creo que los diseñadores no debemos trabajar sin tener en cuenta la situación en que estamos viviendo.
KONSUM AW 21/22
¿Y hay alguna marca o diseñador cuya forma de entender la moda te guste especialmente?
Muchos diseñadores me pueden resultar interesantes por motivos diferentes, incluso sin compartir los mismos gustos estéticos. Valoro las marcas no solo por la clase de producto que venden, sino por otros motivos relacionados más bien con las estrategias de marketing. No he tenido tiempo de analizar los balances de beneficios y pérdidas de marcas que me pudieran interesar, es algo que tengo pendiente. Mantenerse a flote o tener beneficios ascendentes en la moda de manera directa o indirecta es lo más complicado ahora, y todos los que lo consiguen tienen mi respeto.
KONSUM AW 21/22
Reconoces que la sostenibilidad no es el propósito principal que persigues con tu marca pero, sin embargo, sí tratas de aprovechar al máximo los recursos y los patrones, reduciendo los tejidos sobrantes lo máximo posible. ¿Es la conciencia medioambiental algo inherente a la moda del mañana? ¿Cómo concibes el futuro del sector y qué retos crees que tiene por delante?
Creo que lo más sostenible que estoy haciendo ahora mismo es precisamente explorar la moda virtual sin producir apenas nada físico, y producir físicamente solo algunos modelos que yo estime más oportunos. Mi método de patronaje en sí, aparte, tiene tres enfoques sostenibles muy diferentes. Como tú has dicho, puede ser compatible con la filosofía zero waste, sin desperdicio de tejido, pero éste no es el fin último, sino el volumen en sí. Así que muchos de los patrones sí tienen un desperdicio superior al 5%, que es el límite para que sea considerado zero waste. También exploro la transformabilidad, es algo de lo que se habla poco y también puede ser un enfoque sostenible, tanto desde el punto de vista del diseñador como del usuario. Por ejemplo, se pueden generar muchos modelos diferentes entre sí usando un número muy limitado de patrones. Finalmente, también considero sostenible la repetición de un solo detalle constructivo experimental, aplicándolo en muchas prendas distintas como ocurrió en la última colección.
En general, pienso que la sostenibilidad es un tema muy complejo que tiende a tratarse de una manera muy superficial. Podría estar hablando de este tema varias horas y ahora no tenemos tiempo para ello, el formato no lo permite. Tengo la sensación de que, en muchas ocasiones, la sostenibilidad está sobrevalorada y no se trata de una manera holística. Como ejemplo de ello, mi colección Apocalypse – la nueva realidad PV 21, tanto en la versión física de Madrid como en la virtual de Londres, lo cierra un vestido enorme de tafeta de seda roja 100% zero waste, sin desperdicio de un solo centímetro de tejido. Sin embargo, este vestido ha consumido 16m de tejido, y además no era ponible. Su destino no era la venta, sino la génesis de un espectáculo visual. De ninguna manera era una prenda sostenible, al menos en la versión física.
KONSUM AW 21/22
¿Cómo se trasladan las colecciones que vemos sobre la pasarela, de marcado carácter experimental, al cliente final y la venta?
En mi caso, el experimento puede tener tamaño y complejidad muy variable. Puede ser muy exagerado a nivel volumétrico, o simplemente original sin llamar excesivamente la atención. La elección del experimento influye en que la pieza sea más o menos comercial. También existe la posibilidad de generar para el desfile piezas más llamativas, y posteriormente hacer una adaptación de volumen para conseguir piezas más comerciales.
Como adelantábamos al principio, además de arquitecta y diseñadora, eres docente. ¿Qué consejo le darías a todxs aquellxs jóvenes que sueñan con dedicarse profesionalmente a la moda?
Creo que la clave de éxito en cualquier campo y actividad, y en la moda también, es sentir pasión por lo que se hace. El talento también ayuda, pero no sirve de nada si no se dedican muchísimas horas de trabajo.
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