La artista visual Sarah Pschorn, conocida por su habilidad para fusionar elementos barrocos y contemporáneos en la cerámica experimental, nos habla de su trayectoria y proceso creativo en vísperas de su participación en CAN ART Ibiza 2024, que tendrá lugar del 26 al 30 de junio.
Sarah Pschorn en su estudio en Leipzig 2022 / Foto: Jakob Adolphi
Desde su infancia rodeada de la arquitectura barroca en Dresde hasta su estudio en Leipzig, Sarah Pschorn ha forjado un camino artístico que combina la herencia del pasado con la innovación del presente. «Siempre he visto la cerámica como un medio para explorar el diálogo entre la tradición y la vanguardia», comparte Sarah, cuya pasión por la arcilla surgió a una edad temprana. Formada en la Universidad de Arte y Diseño de Burg Giebichenstein y enriquecida por una beca en Jerusalén, ha creado un estilo distintivo que desafía las convenciones artísticas. A medida que se prepara, de la mano de She Bam! Galerie Laetitia Gorsy, para exponer en CAN ART Ibiza 2024, exploramos cómo su arte trasciende las fronteras del tiempo y el espacio, fusionando la historia con la contemporaneidad en cada pieza.
¿Cuál fue tu primera experiencia significativa con el arte y cómo te llevó a elegir la cerámica como tu principal medio de expresión?
Tuve mi primer contacto con la cerámica cuando tenía unos cinco años. En esa época, mi madre me llevó a una clase de cerámica en un centro sociocultural en Dresde, donde crecí. Recuerdo que al principio me parecía bastante aburrido, pero de alguna manera seguí con ello, asistiendo al taller de cerámica después de la escuela y nunca dejé de trabajar con arcilla. Tuve un excelente profesor que me mostró el potencial experimental del material desde el principio y me enseñó una amplia gama de técnicas cerámicas.
Sarah Pschorn en su estudio en Leipzig 2022 / Foto: Jakob Adolphi
Tu obra es conocida por combinar elementos de escultura y cerámica, ¿cómo surgió esta exploración de diferentes medios y cómo influye en tu proceso creativo?
No veo la cerámica como un medio diferente a la escultura, sino como un material muy adecuado para el trabajo escultórico debido a su plasticidad e inmediatez. Sin embargo, también veo que en los últimos años la cerámica ha tenido que luchar por su lugar como material natural de expresión en la escultura. Esto ha dado lugar a un movimiento de jóvenes artistas dedicados a este material. Estoy muy feliz de ser parte de esta comunidad. Siempre uso la arcilla y la porcelana como punto de partida y material principal para mis obras. Para instalaciones más grandes, se añaden otros materiales como madera contrachapada y objetos encontrados de vidrio o metal, pero trabajar con material blando y maleable siempre está en el centro. Pienso en formas y colores cerámicos, por así decirlo.
El lugar de trabajo de Sarah Pschorn en la Universidad de Arte y Diseño Burg Giebichenstein. Sarah Pschorn en su estudio en Halle, Alemania / 2012 / Foto: Sarah Pschorn
Desde tus primeros años en la Universidad de Arte y Diseño Burg Giebichenstein hasta tus exposiciones internacionales, has tenido un impresionante recorrido artístico. ¿Cómo describirías tu evolución artística a lo largo de los años?
En términos precisos, mi recorrido artístico comenzó en la infancia. Pero durante mis estudios en la universidad de arte, descubrí mi afinidad con las esculturas de la porcelana de Meissen temprano a través de una conferencia de historia del arte sobre la era barroca. Los vasos de esplendor de esta era se convirtieron en el punto de partida de mi trabajo artístico. Las formas y temas de este período – su opulencia, pero también su humor – me hablaron de una manera que corresponde a mi naturaleza. Ahora hago vasos de esplendor contemporáneos y he encontrado un formato en el que puedo materializar mis ideas e imágenes internas. No pensé en ese momento que seguiría con ello durante tanto tiempo. Con los años, las formas de mis esculturas se han vuelto cada vez más libres y poco convencionales, pero un ductus barroco permanece. Participé en muchas exposiciones después de mis estudios. Mi interés en trabajar con el espacio se desarrolló como resultado de las oportunidades para exposiciones individuales (como en el Museo de Arte Contemporáneo de Leipzig, en la Galería She Bam! Leipzig o en la Galería Fracas en Bruselas). Allí tuve la oportunidad de interactuar realmente con los espacios y de escenificar un gran número de esculturas cerámicas en instalaciones teatrales. Mirando hacia atrás, veo mi desarrollo más en la imagen de una casa que en la de un viaje. Cada nueva obra, cada exposición, cada producción es un ladrillo: todo se construye sobre sí mismo y me da la oportunidad de desarrollar conceptos para grandes espacios de museos hoy con más experiencia y confianza.
Rose Queen Crab / 2024 / Foto: Sarah Pschorn
En tu trabajo actual estás extrayendo tu propio lenguaje formal de objetos que hacen referencia a recipientes y trofeos. ¿Puedes compartir con nosotros cómo desarrollas este idioma visual y cómo lo aplicas en tus piezas?
Mis esculturas cerámicas a menudo recuerdan a recipientes, contenedores, trofeos o jarrones, que se convierten en portadores simbólicos de mis ideas y pensamientos. Cuando trabajas con formas de recipientes en el arte, sin importar la silueta que elijas, automáticamente te refieres a recipientes que se hicieron en el pasado. Para mí, el recipiente es un símbolo de ‘lo hecho por el hombre’ en sí mismo. Hace miles de años, las personas formaban recipientes y contenedores para almacenar, preservar y ocultar cosas. Hoy podemos aprender mucho sobre el espíritu de la época a partir de estos artefactos. Basándome en estas referencias históricas – a menudo elijo siluetas barrocas como referencia – añado mi propio enfoque y mi propio sentimiento al trabajar con el material. Intento seguir el material y enfatizar sus características. Cualquiera que haya trabajado con arcilla o porcelana sabe cuán inestable y tambaleante puede sentirse y cómo las formas pueden deformarse durante el proceso de cocción. En nuestra vida cotidiana, generalmente estamos rodeados de productos cerámicos que son rectos, perfectos y simétricos. Esto me parece interesante porque en realidad no corresponde al comportamiento del material en absoluto. A menudo llevo el material al límite cuando trabajo y me fascinan las deformaciones vívidas que ocurren. Le dan al objeto movimiento y carácter. Mis huellas dactilares a menudo pueden descubrirse en las esculturas terminadas. Me gusta capturar ese breve momento y la inclusión del proceso que se conserva mediante el proceso de cocción. Son como cápsulas del tiempo que registran movimientos, gestos y el espíritu de la época.
Hasta ahora solo he hablado de la forma, pero lo que es al menos igual de importante al trabajar con cerámica es el color. Eso es lo especial del medio: primero viene el proceso escultórico de crear la forma y luego el proceso pictórico en el que reaccionas a la forma creada con esmaltes y colores cerámicos. Esto es en realidad un proceso completamente nuevo. Se siente mágico y alquímico. A menudo horneo mis piezas varias veces, a veces 6 veces. Esto me da la oportunidad de superponer capas con diferentes materias primas a diferentes temperaturas durante el proceso de cocción y crear una profundidad de color, similar a la pintura al óleo, excepto que pintas casi a ciegas, porque los colores reales solo aparecen después de la cocción. Para mí, este proceso pictórico es tan importante como crear la forma.
Barock 2-4 / 2024 / Porcelana, esmalte, oro, lustre, objeto encontrado (vidrio) Foto: Sarah Pschorn
Tu exposición ‘Records of Gravity’ ha sido elogiada por su enfoque innovador del arte cerámico. ¿Puedes compartir con nosotros la inspiración detrás de esta exposición y los temas que exploraste?
La exposición que desarrollé para la Gerhard Marcks Haus en Bremen está fuertemente influenciada por la arquitectura del edificio. Hay cinco salas de entre 80 y 100 metros cuadrados, que parten simétricamente de un gran vestíbulo. Esta arquitectura me dio la oportunidad de desarrollar diferentes temas/ideas por separado y aun así crear una especie de recorrido a través de la conexión abierta de las salas. Mi objetivo era crear diferentes mundos por los que los visitantes pudieran deambular. Visité la casa dos años antes de la exposición y desde entonces desarrollé todas las obras directamente para la exposición. Resumidas bajo el título ‘Records of Gravity’, se podían descubrir enfoques muy diferentes de la gravedad. En la sala de la ‘pesadez’, por ejemplo, se podían ver cortinas cerámicas en la pared y en la sala donde se sumergieron toallas en cerámica líquida y se cocieron: la tela se quema y la cerámica conserva la estructura. Estos objetos, que también se refieren al período barroco, juegan con la gravedad de una manera extraña, ya que fueron creados horizontalmente y luego instalados verticalmente. Había tenido la idea para este trabajo, que es casi performativo (el acto de doblar tomó solo unos segundos), durante mucho tiempo. Aquí tuve el tiempo, el lugar y el presupuesto para realizarlo. Justo al lado estaba la sala visualmente contrastante ‘Paraíso’ en la que construí una especie de gruta submarina, mi lugar personal de anhelo en el que todas las reglas de la gravedad parecen estar suspendidas. La pieza ‘Deep Blue Sea’ fue creada para esta sala. Con un tamaño de 180x110x110 cm, es la escultura más grande que he creado. Dibujé y escribí mucho para la preparación, pero sobre todo fueron imágenes que tuve en mi cabeza durante años las que se hicieron realidad a través de la exposición.
Tu trabajo ha sido descrito como una fusión de formas orgánicas inspiradas en la naturaleza y elementos más abstractos y conceptuales. ¿Cómo equilibras estas dos dimensiones en tu proceso creativo?
Creo que unir este contraste formal es interesante para mí porque tiene mucho que ver con temas de nuestro espíritu de la época: ¿qué es (todavía) naturaleza y qué es cultura? Vivimos en una sociedad cada vez más digital/virtual que al mismo tiempo parece reforzar la necesidad de fisicalidad, táctil y percepciones sensoriales. La dualidad entre sentir y entender: para nombrar algunos de estos opuestos que proceso en mis collages tridimensionales. Al incorporar otros materiales, como una copa de helado de vidrio industrialmente producida, mi forma orgánicamente crecida se contrasta con un lenguaje formal diferente. Cuando el equilibrio se logra, los contrastes se enriquecen mutuamente y crean una historia interesante.
Exposición individual de Sarah Pschorn / Primer Contacto / 2018 / Museo de Bellas Artes de Leipzig, Alemania / Foto: Jakob Adolphi
Como parte de Contemporary Art Now, ¿tienes alguna obra o proyecto específico que te emocione particularmente presentar al público? ¿Qué aspectos de tu trabajo esperas que resuenen más con la audiencia en este contexto? ¿Cómo describirías el proceso de preparar y seleccionar obras para un evento como Contemporary Art Now? ¿Hay algún criterio específico que guíe tu selección de piezas para una exposición en particular?
He creado cuatro nuevas esculturas de porcelana para Contemporary Art Now. Las obras son ligeras, lúdicas y de carácter humorístico, con muchas referencias barrocas, pero también citas de la cultura pop. El proceso de selección se desarrolló en estrecha colaboración con la galerista Laeticia Gorsy de Leipzig, con quien trabajo desde 2019. Ella está mostrando una selección de jóvenes artistas como Anna Nero, Johanna Seidel y Fern Liberty Kallenbach Campbell en una exposición colectiva. Laetitia y yo compartimos una comprensión visual similar de la presentación del arte y estoy muy emocionada de ver la interacción de las obras de los otros artistas. Espero que mi primera presentación en esta feria deje al público con ganas de ver más.
Además de tu participación en Contemporary Art Now, ¿tienes algún otro proyecto o colaboración en curso que te gustaría compartir con nosotros? ¿Qué desafíos o emociones has experimentado al trabajar en estos proyectos simultáneamente?
Siempre trabajo en varios proyectos al mismo tiempo. Aunque esto a veces es muy agotador, también es muy productivo porque puedo cambiar entre proyectos y etapas de trabajo si me siento atascada o tengo miedo de tomar una decisión. Esto me da una sensación de ligereza y libertad. En el proceso cerámico, hay muchos momentos de espera de todos modos. Entonces es bueno poder usar el tiempo para pensar en proyectos futuros u organizar algo.
Este año, mis obras estarán en exhibición en el Kunstmuseum Ahrenshoop/Alemania, el Museo de Artes Aplicadas Gera/Alemania y el Keramikmuseum Westerwald/Alemania. Hasta finales de septiembre, también participo en la maravillosa exposición colectiva ‘Aqua Terra’ en la Fondation François Schneider en Wattwiller/Francia, donde muestro mi escultura más grande ‘Deep Blue Sea’.
Aparte de eso, actualmente estoy planificando obras para espacios exteriores. Mi deseo para los próximos años es conectar mis esculturas con el paisaje. Me imagino que la interacción con el paisaje en constante cambio sería muy emocionante. Creo que todavía hay muy pocas esculturas cerámicas al aire libre. El material está subestimado aquí: con la técnica de cocción adecuada, una escultura como esta es extremadamente duradera y resistente a la intemperie.
La próxima gran exposición está planeada para el próximo otoño: una muestra en dúo en la Galería She Bam! Laetitia Gorsy en Leipzig/Alemania, para la cual quiero hacer nuevas esculturas grandes.
Como pronto tendré mi primer hijo, mi vida privada también ocupará más espacio en los próximos meses.
Exposición individual de Sarah Pschorn / Registros de Gravedad / Sala Paradies (Paraíso) / 2023 / Gerhard-Marcks-Haus / Bremen, Alemania / Foto: Ruediger Lubricht
Tu trabajo ha sido reconocido con varios premios y becas, incluidos el Premio Monica Biserni en el MIC Museo Faenza y el Leipzig Connects en el MDBK Leipzig. ¿Cómo ha influido este reconocimiento en tu proceso creativo y tu desarrollo como artista a lo largo de los años?
Para mí, estos reconocimientos siempre fueron un gran impulso de energía para seguir adelante y superar momentos que encontré difíciles. Los premios y becas también me dieron la oportunidad de viajar mucho y conocer nuevas personas entusiastas de la escultura cerámica. Eso fue importante, ya que en mi trabajo diario actual, principalmente trabajo sola. Por supuesto, el reconocimiento siempre conlleva el riesgo de adaptar tu trabajo artístico a tu éxito. No creo que nadie sea inmune a eso y lo único que sé hacer al respecto es ir hacia adentro y sentir por lo que mi corazón late. Nadie más lo sabe por mí. Sobre todo, los premios me han dado la confianza para escuchar a mi intuición.
Como artista con una trayectoria amplia y reconocimiento internacional, ¿hay un momento en tu carrera que haya sido particularmente significativo o transformador para ti?
Creo que hubo un momento que se destacó de todos los momentos importantes: el año pasado, cuando deambulé por mi exposición individual completamente instalada ‘Records of Gravity’ en la Gerhard-Marcks-Haus en Bremen/Alemania y vi que los conceptos de sala en los que había estado trabajando durante 2 años estaban funcionando. Fue una sensación indescriptible y estoy muy agradecida al equipo del museo por su buen trabajo.
Exposición individual de Sarah Pschorn / Registros de Gravedad / Schwere (Pesadez) / 2023 / Gerhard-Marcks-Haus / Bremen, Alemania / Foto: Ruediger Lubricht
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