La artista escocesa Sophie Vallance Cantor, finalista de prestigiosos premios como el Hopper Prize y el Young Contemporary Talent Prize, nos sumerge en un mundo personal y vibrante a través de sus pinturas. En esta entrevista, comparte sus experiencias, influencias y el proceso creativo detrás de sus obras presentadas en CAN ART IBIZA.
¿Qué impulsa a una artista a desafiar los límites convencionales del arte y a crear un mundo propio a través de sus pinturas? Para Sophie Vallance Cantor, nacida en Stirling, Escocia, en 1993, el arte ha sido siempre una forma de procesar sus emociones y experiencias, creando un universo personal y vibrante en cada una de sus obras.
Sophie es una de las figuras emergentes más prometedoras del arte contemporáneo. Su trayectoria artística comenzó con una sólida formación en arte y diseño, especializándose en pintura en el Colegio de Arte de Camberwell. Actualmente radicada en Londres, Sophie ha exhibido su trabajo en múltiples plataformas internacionales, destacándose por su estilo distintivo y su capacidad para desafiar los límites convencionales del arte.
En esta entrevista para #VEINDIGITAL, Sophie nos ofrece una visión íntima de su viaje artístico, desde sus primeras experiencias con el arte hasta las influencias que han moldeado su visión y práctica. Además, nos habla de su participación en CAN ART IBIZA, que se celebrará del 13 al 16 de julio de 2024, donde presenta obras que reflejan su evolución y exploración constante en el mundo del arte.
¿Puedes compartir con nosotros tus primeras experiencias con el arte y qué te llevó inicialmente a seguir una carrera en la pintura?
El proceso de dibujar y crear siempre ha tenido un propósito para mí: procesar cómo me siento sobre la vida y crear un mundo del que yo tuviera el control a través de los dibujos. Siempre me pareció algo natural. Tengo recuerdos vívidos de haber visto ‘Field’ de Antony Gormley en la Tate en los 90, y de cómo me impactó lo que me hizo sentir. Es un mar de figuras de arcilla hechas a mano que juntas llenan hasta los bordes del espacio en el que se exhiben. Creo que difumina las divisiones entre el arte y la vida y ser humano, y se quedó conmigo por esas razones. Seguir la pintura en su esencia siempre comenzó con el deseo de hacer algo que amaba, y hacerlo honestamente, y me considero muy afortunada de poder hacerlo.
Tu arte a menudo explora temas que desafían los límites convencionales. ¿Puedes elaborar sobre los temas o conceptos principales que estás explorando actualmente en tu trabajo?
Utilizo el acto de crear como una herramienta para entender quién soy, por lo que los temas que emergen en mi trabajo son personales y a menudo repetitivos, aunque la forma que toman siempre está evolucionando y cambiando con el tiempo. Mi pareja y compañero artista Douglas Cantor es de Colombia, por lo que la inmigración y cómo ha moldeado nuestra vida es un tema recurrente. Cómo experimento el mundo siendo autista, los eventos de la vida diaria, nuestro hogar y nuestros gatos también son muy importantes. Visualmente, la influencia del cine es fuerte en mi trabajo; de niña soñaba con vivir en las películas americanas de los 90 llenas de neón que veía, ya que buscaba una ‘vida real’ en la que pudiera encajar. En su lugar, la he creado para mí en mis pinturas.
Tu trabajo ha sido reconocido con premios y residencias prestigiosas, como ser finalista del Premio Hopper en 2019 y del Premio Young Contemporary Talent en 2018. ¿Cómo han impactado estos reconocimientos tu carrera y práctica artística?
Siempre es agradable ser reconocida de manera profesional, y en general creo que se siente como un gran estímulo para seguir haciendo pinturas honestas y auténticas.
La residencia en la Galería L21 en Palma de Mallorca debió haber sido una experiencia única. ¿Cómo influyó esta oportunidad en tu trabajo y qué nuevas perspectivas ganaste con ella?
Fue un buen desafío para mí salir de mi zona de confort, trabajar en un entorno desconocido y ver un lugar completamente nuevo. Terminé creando algunas obras basadas en los naranjos en Mallorca, que de otro modo nunca se habrían hecho, y creo que esa idea de alimentarme del entorno en el que me encuentro se ha mantenido conmigo y ha resurgido de nuevas formas en los años posteriores de creación artística.
Tu viaje de Stirling a Londres marca una transición significativa. ¿Cómo ha afectado vivir y trabajar en Londres a tu práctica artística y oportunidades?
Nací en Escocia, crecí en Cornwall, estudié pintura en Londres, me mudé a Berlín, luego a Glasgow y ahora estoy de vuelta en Londres, así que he experimentado muchos lugares como artista en práctica, y hay pros y contras en cada lugar. Algo que me encanta de Londres es la escala de la ciudad y lo fácil que es ver arte, lo visualmente inspiradora que puede ser la ciudad y su energía, pero también puede sentirse difícil y competitiva en un mal día.
Reflexionando sobre tu trayectoria artística hasta ahora, ¿hay un momento o experiencia particular que consideres transformadora o especialmente significativa?
En 2015, mi pareja Douglas Cantor y yo tuvimos que dejar el Reino Unido para poder permanecer juntos (debido a las leyes de inmigración británicas) y terminamos en Berlín. Fue la primera vez que no me encontré rodeada de influencias y opiniones sobre lo que debería hacer, y fue realmente la primera vez que me pregunté ‘¿Qué quiero hacer?’. Considero que fue el comienzo de mi práctica real como artista haciendo un trabajo honesto, y en tiempos posteriores cuando siento que pierdo mi rumbo, siempre vuelvo a esa pregunta.
¿Puedes contarnos sobre algún proyecto o pieza específica que estés particularmente emocionada de presentar en CAN ART IBIZA? ¿Qué esperas que el público se lleve de tu trabajo en este contexto?
Estoy mostrando dos pinturas en la feria con la Galería Enari. La primera es una gran pintura de un leopardo; en los últimos seis meses me he centrado en profundizar en los elementos formales de cómo uso los materiales en mi trabajo, y antes de comenzar a trabajar en estas pinturas, tenía una visión en mi mente de lo lujoso que quería que fuera el pelaje. Me centré en construir la textura y me gusta cómo los patrones se mueven con las curvas del cuerpo del leopardo, recordando a los textiles tejidos, donde el patrón cobra vida por sí mismo.
¿Cómo abordas el proceso de preparación y selección de obras de arte para exposiciones como CAN ART IBIZA? ¿Hay algún criterio específico o temas que guíen tu selección?
Normalmente hago pinturas como un cuerpo de trabajo, donde todas las obras de ese momento están en comunicación entre sí, casi como fotogramas de la misma película pero sin una narrativa lineal. Trato de dejar que las cosas emerjan durante el proceso de creación en lugar de establecer metas muy específicas para las obras que, inevitablemente, serán imposibles de cumplir. A veces, la magia puede estar en los accidentes o allí donde las cosas se vuelven inesperadas.
Además de tu participación en CAN ART IBIZA, ¿tienes otros proyectos en curso o colaboraciones que te gustaría compartir con nosotros? ¿Qué desafíos o emociones has experimentado mientras trabajabas en estos proyectos simultáneamente?
Actualmente también estoy mostrando obras en ‘Meet the Cantors’ en la Galería Enari en Ámsterdam, una exposición en dúo con Douglas Cantor. Hice las obras para CAN junto con las obras para la exposición en dúo, así que se sienten muy conectadas. Hace unos meses tuve un bloqueo en el que sentía que las cosas no tenían completo sentido juntas, lo cual creo que es natural al adentrarse en nuevos territorios. Pero seguí trabajando, y confiando un poco en el proceso, y todo se unió.
Tu estilo artístico es distintivo y reconocible. ¿Cómo describirías tu estilo artístico y tus preferencias estéticas? ¿Qué elementos o técnicas sueles incorporar en tu trabajo?
Creo que mi estilo de dibujo es bastante distintivo, utiliza líneas confiadas y dinámicas que terminan formando la base de las pinturas, donde hay más libertad para la textura, la mezcla, el color y el juego durante el proceso de pintura real. Conseguir que el dibujo sea ‘correcto’ suele ser la parte más difícil, porque aunque no son representaciones ‘realistas’, para que se lean correctamente, los ángulos, las proporciones y capturar la cantidad justa de movimiento es muy importante. A menudo, los dibujos animados son grandes referencias cuando estoy luchando para representar o corregir una composición.
¿Quiénes o qué son algunas de tus mayores influencias en el arte? ¿Cómo han moldeado estas influencias tu visión y práctica artística?
A nivel personal, mi pareja ha sido una gran influencia, realmente creyó en ambos cuando estábamos empezando desde cero en Berlín, y cómo encontrar formas de priorizar la creación de arte incluso con recursos limitados. Le debo mucho a la mentalidad que él inculcó en ese tiempo incipiente. Alrededor de esa época también leí ‘Just Kids’ de Patti Smith y fue una gran inspiración por las mismas razones, escuchar de primera mano sobre Smith y Mapplethorpe y la historia de cómo encontraron su camino como artistas realmente me permitió darlo todo a mi práctica.
¿Puedes contarnos más sobre las técnicas que usas en tu proceso de pintura? ¿Hay técnicas o materiales experimentales que disfrutes explorar?
En el último año y medio comencé a usar pinceles de mezcla por primera vez para crear atmósfera con luz, luz de neón y neblina, y ha sido un desarrollo muy divertido en mi trabajo. Como mencioné antes, actualmente también estoy explorando la textura y el patrón a través del pelaje en mis representaciones de gatos, y esto es algo que planeo seguir explorando.
Tus pinturas a menudo parecen contar historias o transmitir narrativas. ¿Podrías elaborar sobre las narrativas o temas que representas en tu arte? ¿Hay historias o mensajes específicos que deseas comunicar a través de tu trabajo?
En realidad, siento que hay una especie de brecha entre mi trabajo y estar en el mundo y comunicar cosas a los espectadores. Como mencioné antes, la naturaleza personal del mundo que creo a través de la pintura significa que en mi mente el espectador se mantiene a distancia, se le invita a mirar pero no a participar, por lo que en cierto sentido se convierten en una especie de voyeur de las escenas en las pinturas. Me gusta el paralelo que esto crea con cómo experimento el mundo como persona autista. A menudo me siento fuera del círculo, por así decirlo, pero en este contexto puedo darle la vuelta a esa interacción. Creo que los espectadores probablemente crean su propia narrativa, la gente suele proyectar sus propias experiencias en la mayoría de las interacciones, ¡así que no hay una respuesta o conclusión definitiva!
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Sigue a Sophie en su perfil de Instagram para conocer toda su obra.
