Inspirada en modelos, culturistas y personajes ficticios como los superhéroes, Magda juega con patrones culturales de las mujeres e imagen corporal masculina en su propuesta para Can Art Ibiza. En #VEINDIGITAL hablamos con ella.
Magdalena Kirklewska nació en 1990 en Polonia y se graduó en la Academia de Bellas Artes de Gdańsk (Polonia) en 2015. Después de la graduación, tuvo un descanso de la práctica artística y se reinventó trabajando en diferentes campos y viajando. En 2019 regresó a la pintura a tiempo completo con un concepto fresco y comenzó a desarrollar su estilo. En 2020 realizó varias exposiciones en Polonia. En 2021 participó en una exposición colectiva en la galería de GR de Nueva York y comenzó a trabajar a nivel internacional. En #VEINDIGITAL hablamos con Magda Kirk sobre su trabajo e implicación en el proyecto de Can Art Ibiza.
¿Por qué la imagen corporal es tu inspiración a la hora de crear?
Para mí la imagen corporal no se trata solo de si creo que me veo bien o mal, sino del espíritu del cuerpo. Es un poco como avatar, está lleno de expresión y cambia todo el tiempo. Cada quien tiene su propia imagen corporal, creada en base a su entorno emocional, actitud y opciones. Proyectamos nuestras experiencias y pensamientos en él. Encuentro fascinante cuán flexible puede ser esta imagen.
¿Qué hace que tu obra de arte sea única?
No puedo discutir la singularidad de mi trabajo, me hace sentir extraña, pero supongo que lo que hace reconocible radica principalmente en la forma, colores, atmosfera nebulosa, desenfoque suave, algunas emociones contrastantes combinadas. También cuerpos bombeados en diferentes poses, generalmente tatuados de una manera específica… Pero es más sobre el sentimiento de todo, que la lista de ingredientes particulares.
¿La sociedad influye en las ideas que podemos concebir de nuestro cuerpo?
Sí, de muchas maneras. Influye literalmente en cada idea que se nos ocurre. Me gusta la historia de esas figuras paleolíticas de Venus y es un buen ejemplo. No hay manera de saber lo que ellos significado, porque se desconoce el contexto cultura. Los arqueólogos han estado ideando ideas desde los años 20 del siglo pasado, pero estas ideas son solo proyecciones de sus puntos de vista y la condición de sociedad que viven en ellos mismos. Al principio estas ideas eran llenos de sexismo y han ido evolucionando a medida que la sociedad progresó y la voz de las mujeres creció en fortaleza. Me gusta esta historia porque ayuda a observar nuestros patrones de pensamiento desde la distancia.
¿Cuál es tu principal objetivo al hablar de identidad y autoestima?
El problema es cuando algunas expectativas culturares irracionales influyen en la autoimagen a tal punto. Hasta el punto de que causa problemas de identidad y autoestima. Por ejemplo, las visiones del hombre y mujer perfectos y estándares corporales, así como los patrones de comportamientos que van con ellos. Podemos ver una imagen distorsionada de nosotros mismos, pero el punto principal es que no existe tal cosa como una imagen real de nosotros mismos. La imagen corporal es una proyección y siempre está moldeada por actitud. Hasta cierto punto, puedo crearlo y ajustarlo a mis necesidades. Es como un retrato que hago de mi misma en mi mente. Los cuerpos que muestro en mi obra no son ni positivos ni negativos. Ellos son de alguna manera inmateriales, como un proceso de transformación, buscando la libertad y agencia propia. Son todas versiones de mi propia experiencia corporal, con muchos sentimientos encontrados y la fantasía entrando en juego.
¿Cuál es el mensaje que desea transmitir al seleccionar los colores?
Los colores que uso crean un aura de ensueño e irreal en mi trabajo. A menudo uso solo unas pocas pinturas cuando trabajando en una pintura, pero las puse en capas, y esa es la parte divertida. Las capas me ayudan crean combinaciones de colores más interesantes. A veces los colores también sugieren el contexto en que coloco a mis personajes, como luces de discoteca o luz de pantalla, luz solar intensa, puesta de sol, playa, arbustos, agua… A veces se trata solo del estado de ánimo que crean
¿Por qué decidiste colaborar con Canart?
Es una muy buena oportunidad para mí. Plan X me invitó a su stand junto a artistas que realmente me gusta, y estoy feliz de contribuir a ello. También estuve en Canart el año pasado con ‘Everyday Gallery’ y tuve la oportunidad de visitar la feria. Creo que es la feria de arte más agradable que he estado hasta ahora porque no es demasiado grande, está bien curado y es amigable. Hay algo positivo energía alrededor de esta feria. Tal vez se trate de la gente que hay detrás, o tal vez del espíritu ibicenco.
¿Cuál es tu objetivo o propósito para este proyecto con Canart?
Es una oportunidad para mostrar mi trabajo en buena compañía y llegar a un grupo adecuado de personas, que pueda compartir mis intereses. Me encanta la selección de galerías y artistas incluidos allí, así que es un gran partido.
¿Cómo es tu proceso creativo a la hora de pintar?
Parto de muchos bocetos lineales simples de composición, luego hago un plan de combinación de colores en iPad. Pero siempre dejo un espacio para no saber lo que traerá el proceso. Capas de pigmento no funcionan de la misma manera que las capas de color en el iPad, así que me pongo más interesante efectos cuando pinto en vivo, directamente sobre el lienzo. Es emocionante cuando salen cosas nuevas y evolucionar. Pongo capas de color y garabatos, y resalto la forma, es un proceso meditativo y se siente un poco como esculpir. Cuando está terminado o si estoy atascado en algún momento, lo guardo para unos días, luego tengo una vista fresca nuevamente y decido si agregar algo o no. A menudo trabajan en 2-3 piezas simultáneamente. Recientemente comencé a jugar con el modelado 3D también, como fuente de inspiración y apoyo en un proceso de pintura, pero potencialmente también como un nuevo medio para explorar.
Hay tantos elementos de «tatuajes» coloridos y lindos en tus pinturas y esculturas, ¿tienen diferentes significados?
Están inspirados en mi entorno. Es como una masa de retos de lo que veo: imágenes y símbolos que se encuentran en las calles, en Internet, en diferentes tipos de productos que uso, en cuerpos de personas. Pero también recojo este tipo de basura. En mis catálogos de inspiración hay cosas como anuncios, grafitis y logotipos cursis, dibujos animados de los 90, calcomanías para niños o camiones conductores, máquinas tragamonedas, pokemons, revistas manga raras, diseños de helados… Cuando trabajo en una pintura, me concentro en el personaje, la situación que quiero mostrar, y las imágenes vienen a mi mente. Es muy intuitivo, no simbolizan algo en particular, pero puede reflejar el carácter del cuerpo de una manera vaga .
Cuando creas arte, ¿en qué te enfocas más?¿Cuál es tu mayor desafío?
Depende del trabajo y cambia un poco con el tiempo, pero siempre me enfoco en lo general. Trato de que me sorprenda, me golpee, me emocione. Quiero que estos cuerpos tengan personalidades interesantes, de múltiples capas, aunque sin rostros. Intento ver mi trabajo como si fuera era la primera vez cada vez. A veces es difícil sorprenderse con las propias ideas que trabajas durante días y semanas. Me gusta que mi pintura se vea fresca y sin esfuerzo, pero de hecho está llena de desafíos y va a través de éxtasis y momentos de frustración. Hay emociones realmente extremas en esto, pero esta es una de las razones por las que es tan envolvente y adictivo.
A partir del 13 de julio podremos disfrutar de las obras de Magda Kirk en la Feria CAN ART IBIZA
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